ALGUNOS TRUCOS PARA PRODUCIR MÁS Y MEJORES IDEAS

ESTABLEZCA UNA META
Una de las mejores formas de lograr una producción no sólo constante, sino también abundante consiste en proponerse metas concretas, que además puedan cumplirse. Lo importante es proponerse una meta que podamos cumplir, evitar producir errores y no estar dispuesto a sacrificar la calidad. Si lo que producimos no resulta bueno debemos contar con la fortaleza de ánimo necesaria para descartarlo. Pero la calidad y la velocidad no resultan elementos incompatibles. Lo bueno siempre será bueno aunque el producirlo nos haya llevado 5 minutos o 5 meses.



MANTÉNGASE TRABAJANDO
Una de las formas más fáciles de ralentar su producción es estar constantemente arrancando y deteniéndose. Mientras usted escribe está inmerso en otro mundo, llámelo como quiera: espacio creativo, imaginación o como guste, pero no se trata del mismo espacio que ocupan su silla o su cuerpo. Tardamos en entrar en este estado, pero una vez que lo logramos sentimos como fluye nuestra imaginación.

MANTENGA LA HISTORIA SIMPLE
Un error muy común cuando estamos trabajando en la historia es tornar todo demasiado complicado.

Recuerde las mejores historias y notará un hecho asombroso: seguramente usted puede describirlas utilizando una sola sentencia.

Lo que transforma a nuestra historia en algo realmente memorable es el tiempo que le destinamos a los personajes y a la acción. Si la historia resulta muy compleja nos dejará escaso tiempo para estas cosas. Por eso es bueno empeñarnos en mantenerla lo más simple posible.

NO RENUNCIE A SU OTRO TRABAJO
Una de las peores trampas en que puede caer un artista es pensar que su arte lo puede alimentar. Es muy difícil permanecer trabajando en nuestro proyecto, mientras estamos preocupados por nuestras cuentas. La mejor manera de disponer de tiempo creativo, de buena calidad, es contar con otro trabajo que nos haga sentir seguros. Unas pocas horas de creación por las mañanas pueden darnos muchas mas recompensas que todo un día de trabajo desesperado.

La industria del entretenimiento es una de las más competitivas, y por supuesto que en ella no hay lugar para que todos triunfen.




NUESTRA MARAVILLOSA HISTORIA
Un hecho ineludible es que se necesita un montón de oficio para hacer cualquier labor correctamente, mucho más si se trata de crear historias. Nuestro primer guión seguramente resultará malo, simplemente porque no le cabe otra cosa. Pero si lo seguimos intentando, al cabo de algunas historias lograremos cosas cada vez mejores. Las habilidades siempre mejoran con la práctica.

Cuando terminamos un guión, no gastemos demasiado tiempo corrigiéndolo, personalmente creo que es mejor escribir varias historias, que intentar corregir una hasta lograr la perfección. Este razonamiento se sostiene con simple matemática, es mejor hacer 4 historias en un año, que gastar 4 años haciendo sólo una. Piense que en ese mismo lapso de 4 años: ¡podríamos hacer 16 historias ! Además casi con seguridad podemos afirmar que nuestras historias, después de haber realizado tantas, habrán mejorado notablemente su calidad.




OTORGUE A LAS CRÍTICAS LA ATENCIÓN QUE MERECEN
Benjamín Franklin dijo: "Cualquier tonto puede criticar, y la mayoría lo hace".
Creerse las críticas, ya se trate de buenas o malas, resulta la mas mortal de todas las trampas. Si bien resulta importante conocer lo que el público puede expresar acerca de nuestras historias, y esto es una excelente forma de crecer como artistas.

Pero cuando una crítica nos hace sentir mal, entonces deja de ser constructiva, se convierte simplemente en un ataque.

Si alguien nos cuenta todas las razones por las que nuestra historia no funciona como es debido y apreciamos que su juicio es cierto, seguramente nos sentiremos mejor, porque sabremos entonces qué hacer para corregirla.

PERSONAJES CON DIMENSION

Mientras el protagonista avanza hacia la meta, en su trayecto le acontecen cosas. Estos sucesos modifican al personaje, el que a su vez provoca con su accionar nuevos e inesperados acontecimientos. Todo esto hace que la historia y los personajes secundarios también se modifiquen a partir de las transformaciones que sufre el protagonista.

Las dimensiones del personaje están dadas por sus pensamientos, acciones y emociones. Si algunas de ellas es pobre o inexistente, el protagonista corre el peligro de convertirse en un estereotipo. Este es el caso por ejemplo de James Bond al que sólo vemos actuar pero nunca se sabe que piensa, ni cuáles son sus emociones.

MOSTRANDO LO QUE EL PERSONAJE PIENSA
Lo que el personaje piensa estará muy relacionado con sus actitudes, con la posición que él asume frente a la vida. Esto puede resultar muy difícil de mostrar. Podemos hacer que lo exprese verbalmente, pero si abusamos de esta posibilidad el personaje se torna abstracto, charlatán o aburrido.



Pero es imprescindible mostrar que nuestro personaje tiene un modo de pensar, que cree en algo y que esto provoca no sólo sus acciones, sino que es lo que genera toda su actividad. Para hacer evidente lo que el personaje piensa tenemos que mostrar como cambia su actitud frente a los hechos, tornándolo por ejemplo: agresivo, tímido, positivo o suplicante.

Estas actitudes se pondrán de manifiesto tanto a través de su accionar, como en sus relaciones con los demás personajes. Nosotros conoceremos su actitud a través de sus acciones. En estos casos si lo que él dice, no coincide con lo que hace, deduciremos que estamos ante un mentiroso, o un hipócrita. Es por este motivo que resulta mucho mejor no hacer hablar al personaje, simplemente mostrémoslo actuando. La actitud de una persona es más fácil de actuar, de mostrar, que su manera de pensar.

EL PERSONAJE TOMANDO DECISIONES
Lo que constituye la esencia del drama se puede dividir en dos partes: la decisión de actuar y la acción en sí misma. Al ver una película habitualmente somos concientes solamente de la primera de ellas: la acción. Sin embargo es la decisión de actuar lo que nos ayuda a entender el punto de vista del personaje. El momento de la decisión es una instancia poderosa en la revelación del personaje. Para hacer evidentes las decisiones que toma un personaje, las acciones que estas provocan deben ser muy concretas y específicas.

Guión para Animación: LA IDEA EXPRESADA EN LA TRIOLOGÍA: TEMA / PREMISA / ARGUMENTO

Quisiera comenzar citando parte de una entrevista de Paul Schrader a Martín Scorsese:
P.S.- ... ¿La premisa sugiere la totalidad de la historia? ¿Precede a todo?
M:S:- Creo que hay tres pasos para escribir un guión. Primero tienes que tener un tema, algo que quieras decir. No tiene que ser precisamente algo grandioso, sino algo que te preocupe. En el caso de Taxi Driver, el tema era la soledad. Luego encuentras una premisa para ese tema, una premisa que lo exprese. .... Luego tienes que encontrar un argumento, que es la parte más sencilla del proceso. Todos los argumentos están hechos. ...solo tienes que repasar todas las permutaciones hasta que el argumento exprese exactamente el tema y premisa. Cuando juntas el tema con la premisa, debieras salir con el argumento.




Uno de los problemas de los guionistas es que primero piensan en términos de argumento, e invierten el camino. Una vez que tienes el argumento es muy difícil infundir en el un tema, porque este no resulta una expresión natural del argumento: por eso se debe comenzar por el tema y no por el argumento.
Cuando alguien te dice: “tengo una gran idea para una película, y la novedad está en que...”;, sabrás inmediatamente que te enfrentas a un problema, porque se está abordando la idea de una forma equivocada.
Los Angeles, enero del 76

LA IDEA
Me imagino una idea como un objeto dentro de mi mente. Miro las palabras que están escritas en el papel; esos grafismos no son una idea, pero los conceptos que ellos despiertan en mi mente sí lo son. Las ideas son construcciones dentro de nuestra mente, referidas a la percepción, a la imaginación o al pensamiento.
Un film comienza siendo una idea, la que para llegar a la pantalla necesitará ser explorada y desarrollada.
Creo que lo más adecuado para este fin es usar dibujos rápidos, los que además deben cumplir con los siguientes requisitos:
1-Se trata de dibujos personales. Piense que sólo necesitan ser comprendidos por un pequeño grupo de personas.
2-Están referidos a los conceptos claves y no a los detalles de la idea.
3-Están realizados en forma espontánea y rápida, deben ser dibujos vitales y frescos.
La idea gestora de nuestro film quedará determinada cuando podamos establecer la triología que conforman: su tema, la premisa y el argumento. Porque es a partir de estos tres elementos que más tarde voy a dar forma a los personajes, crear los incidentes, y definir el entorno donde acontecerán los hechos de mi historia, los que lograrán finalmente corroborar la premisa.



EL TEMA
¿Sobre qué trata su historia? El tema de un guión está referido tanto a lo que ocurre, como a quién le ocurre. Se necesita trabajar mucho sobre una historia antes de comprender cuáles son sus elementos fundamentales y recién entonces podremos resumirla en una frase sencilla.
El paso siguiente es ampliar nuestros conocimientos sobre el tema. Muchos dudan de la gran importancia que tiene la investigación. Pero si hay algo que resulta obvio, es que cuando más se conozca sobre un determinado tema, más es lo que se podrá comunicar sobre él. Cualquier proceso de creación no sólo debe incluir la investigación, sino más bien requerirla.
El planteo de no utilizar la información simplemente porque no disponemos de ella, no es una opción válida y cuando esto ocurre, tengamos la seguridad que le está haciendo un importante daño a la historia.
Después de que hemos logrado enunciar el tema de nuestro film empleando sólo una frase, podemos decir que comienza la etapa de investigación. Estas búsquedas harán madurar el film, al provocar nuevas ideas. Ayudarán a que comprendamos mejor a los personajes, a sus situaciones, y muy seguramente ayudarán a determinar un escenario creíble.




LA PREMISA
Las historias, como todas las cosas en este mundo, tienen un propósito, un fin, un destino. Como observadores atentos que somos del mundo que nos rodea, nosotros seguramente tenemos un punto de vista personal, hemos tomado una posición, respecto a determinados temas. Esto que constituye una expresión honesta de lo que sentimos frente a ellos, de lo que en definitiva el tema nos provoca, constituye nuestra opinión personal al respecto. La premisa no necesariamente debe resultar una verdad universal y absoluta.
Podemos enunciar las premisas como proposiciones que damos por ciertas, o mejor dicho por supuestas, y que constituyen la base del argumento, ya que establecen o determinan una conclusión.
El propósito final de cualquier historia será corroborar una premisa dada a priori. Así el autor en ella, esta expresando una opinión personal, la que afirma o niega una cualidad del sujeto, condicionándola al predicado de la oración.
En esta proposición que llamo premisa, estamos estableciendo una relación de causa/efecto entre el sujeto y el predicado. Este concepto puede tener otros nombres.
El camino puede variar, se puede comenzar desarrollando primero una situación y más tarde buscar la premisa correspondiente. O directamente avanzar desarrollando nuestra idea, hasta lograr formular una premisa. Pero tengamos claro que es ella la que en definitiva definirá los personajes, el conflicto y su resolución.

Borges: "Es un error suponer que todas las palabras deben usarse"

Encontramos una nueva píldora de un grande de la literatura dirigida a los jóvenes escritores. Se trata de un extracto de la entrevista que Joaquín Soler Serrano realizó a Jorge Luis Borges en 1976, en el que el argentino refelexiona sobre el lenguaje y el estilo literario.




Quienes hayan leído El Aleph recordarán a Carlos Argentino Daneri, el antagonista de la narración, un poetastro ampuloso y engolado que no merece el privilegio de tener acceso al Aleph y que irrita al narrador con sus grandilocuentes versos llenos de estilizaciones pseudo-líricas de adjetivos corrientes: azulino, azuloso, azulenco…

En la entrevista Borges utiliza este mismo símil para advertir contra el barroquismo en la escritura. Confiesa que él lo practicó de jóven, como todos, por “timidez”, la inseguridad propia del escritor que da sus primeros pasos. Sin embargo, llegado a la madurez, Borges reivindica que “se escriba igual que se habla”. En cuanto al barroquismo practicado por escritores ya consagrados, Borges y su entrevistador llegan a la conclusión que responde a soberbia o a un afán – incluso súplica – de reconocimiento.



fuente: papelenblanco.com

Cómo empezar un guión

Otro de los métodos que habrán oído más de una vez a la hora de empezar a escribir un guión es “leer los periódicos del día y extraer de ahí alguna historia apasionante”. ¿Se acuerdan del personaje de Peter Gallagher en El Juego de Hollywood? Interpretaba a un ejecutivo que afirmaba que con este método no sólo se podrían escribir guiones con facilidad hasta el infinito, sino que, incluso, se podría acabar prescindiendo de guionistas.

La verdad es que la gracia de este método está, precisamente, en explicarlo. Es un gran golpe de efecto habitual en los cursos de guión y universidades, ya que da al que lo formula la sagacidad del que encuentra oro en los charcos o cocaína en los billetes. Sin embargo, creo que la capacidad de la realidad para generar drama aprovechable o la de los diarios para detectarlo está un poco sobrevalorada. Supongo que ninguna de sus diez últimas películas favoritas están basadas en noticias de prensa. No dudo que sea un buen estímulo. Pero no el estímulo definitivo.

Entonces ¿Dónde encontramos una historia? En el post anterior aludía a la cruel paradoja de esta pregunta y ahora voy a desarrollarla mejor: Las buenas ideas para contar una historia nunca se decide tenerlas.

Pongamos que, una mañana, usted se levanta fresco y sano, se sienta ante internet con un café expresso delicioso confeccionado por una cafetera Lavazza como la que me ha regalado Jon Diez por mi cumpleaños y lee “Empieza hoy el plazo de entrega de cortometrajes para la edición de este año del Notodofilmfest” y entonces usted dice “Perfecto, voy a pensar en alguna idea bomba”. Y yo entonces le digo “MAL”.



Desde el momento en que necestitas de ese punto de partida, estás encorsetando inconscientemente tus posibilidades desde cientos de frentes. De entrada, la imagen mental que tengas de corto ganador y corto perdedor van a estar enfrentadas en una batalla en la que el que siempre acaba perdiendo eres tú. Porque lo que tu cerebro acabe juzgando como idea bomba va a ser el residuo de un choque de miedos, ansiedades y prejuicios.

¿Cuál es la solución, entonces? La solución está en una de las condiciones inevitables en la naturaleza del artista: Estar trabajando todos los días del año, a todas horas. Mantener siempre a flote un estado perceptivo predispuesto en el que las buenas ideas puedan llegar en cualquier momento. Estar siempre con la guardia puesta y, si hace falta, tener una libretita a mano en la que apuntar cualquier cosa. Porque, e invierto la paradoja, las buenas ideas llegan antes de la decisión de tenerlas.

Y en caso de que usted sea un director que no termina de tener la idea definitiva que llevar adelante, imite al noventa por ciento de los grandes maestros que le han inspirado durante toda su vida y LEA GUIONES DE OTROS
fuente: blogs.elpais.com

Clases de argumento o trama

Clases de argumento o trama

Según la estructura temporal

* Analepsis: Técnica narrativa mediante la cual se realiza una retrospectiva narrando así sucesos anteriores al presente de la obra.
* Racconto: Técnica narrativa mediante la cual se realiza un retroceso extenso en el tiempo y la vuelta al presente.
* Flash back: Técnica narrativa mediante la cual se realiza un retroceso breve en el tiempo y la vuelta al presente.
* Prolepsis: Técnica narrativa mediante la cual se narran sucesos que aun no han ocurrido en el transcurso temporal lógico de la obra.

Según el comienzo estructural de la obra

* Estructura lineal: Desarrollo de la obra lineal. Se da prioridad al desenlace de la obra.
* In media res: La obra comienza por un suceso intermedio dentro del desarrollo argumental para después volver al comienzo y llegar al desenlace.
* In extrema res: La obra comienza por el desenlace para después volver al comienzo y narrar los sucesos hasta el desenlace.

División clásica de la trama

* Introducción o presentación.
* Desarrollo, complicación o nudo
* Desenlace y final.

¿Qué es una línea argumental?

El escritor se vale de guiones o líneas argumentales para esbozar las tramas y los argumentos de sus obras que luego han de narrarse. Una línea argumental describe lo que le ocurre a los personajes durante un periodo concreto de la obra.

Existen dos tipos de líneas argumentales.

* Línea argumental principal: En ella se describen y concretan los sucesos mas relevantes o esenciales que le suceden al protagonista a lo largo de toda la obra o de un capítulo.
* Línea argumental secundaria: Pueden crearse tantas como el autor así lo requiera.

Describen de forma mas detallada los sucesos de los personajes en determinados momentos de la obra. Generalmente se dividen en episodios, escenas o párrafos.

Dónde publicar tus obras

* En Internet: Es la forma más sencilla y asequible de publicar tus obras. En la red tus obras están a disposición de millones de posibles lectores en todo el mundo. La publicación de las obras no te reportara ningún beneficio económico a no ser que el número de visitantes de la página web alcance un número importante y alguna empresa decida colocar algún tipo de publicidad en ella. Existe un número de artistas que eligen principalmente este medio para publicar sus obras. Sitúan sus cuentos o sus novelas en la red, ya sean autores conocidos o desconocidos y renuncian a los derechos de autor autorizando la libre copia y distribución de sus obras.
* En revistas literarias o culturales: Enviar tus obras a las revistas culturales o literarias es otra forma de darse a conocer. Con suerte alguna de estas publicaciones se interesara en tus obras y las publicará en sus páginas ha cambio de un reporte económico.
* Ganar un premio literario que incluya la publicación de la obra: Lo dicho, otra forma de publicar tus obras es ganar alguno de los muchos premios literarios que incluyen como parte del premio la publicación de la obra ganadora.
* En las editoriales: Puedes enviar tus escritos o entregarlos en persona a los departamentos de recepción de obras de nuevos autores. Puede que algunas lo rechacen y que otras se interesen en su publicación. En todo caso no olvides que la historia de la literatura esta llena de historias de editores que rechazaron publicar en su momento lo que luego serian o grandes éxitos de público o grandes éxitos culturales.

Cómo presentar la obra a una editorial

* Redactar una carta de presentación escueta: los datos personales y un breve currículum son suficiente. No explicar la vida y milagros ni defender o ensalzar la obra. La carta de presentación no es un cuento.
* Cuidar la presentación del manuscrito, facilitar la lectura y tener en cuenta que se valora el contenido, no el continente.
* Llevar el texto a las editoriales importantes y, si no hay suerte, ir bajando el listón. Contando las editoriales pequeñas, España ofrece muchísimas posibilidades
* Seguir enviando la obra. Algún editor recomienda cambiar el título y el nombre (un seudónimo sirve) y enviarla de nuevo a la editorial que la rechazó, porque el factor suerte juega un papel importante.
fuente: bibliotecabecquer.es

Vender o comprar un guión para tv o cine

Crear una historia, imaginar sus personajes, entrelazarlos, darles vida y muerte, amor, ilusiones, generar una trama y un final, son hechos definitivamente artísticos y uno quisiera mantener la palabra “negocio” y la palabra “comercio” lo más alejadas posible. Pero no es posible. Sobre todo si uno crea para la televisión o el cine comerciales.



¿Todo debe ser tratado como un producto, entonces? ¿Todo debe surgir de una investigación entre consumidores, fruto de un plan de marketing o consecuencia de imposiciones del medio y los anunciantes?

Ni tanto ni tan poco. La necesidad de rédito comercial no debe opacar ni obstruir la creación en sí, aunque a veces se lo intente sin querer o a veces se presente como un obstáculo impuesto.

La realidad es que nada puede contra una idea fresca y genuina. No diré “original” pues es sabido que los temas suelen repetirse y los centrales no son tantos. Lo novedoso es cómo presentarlos, qué vuelta diferente se encuentra para volver a tratar una vez más “la vida, la muerte, el amor, la traición, la eterna lucha de buenos y malos”.

Para ir entrando en tema, digamos que como en las buenas historias, la creación no siempre es la buena y los negocios no siempre son los malos.

Pero para que creación y negocio no traben uno al otro, me permito sugerir algunos caminos nacidos de mi experiencia tanto como Director de Programación como también como Consultor Internacional, estando en contacto con gente que crea y que programa en distintos países.




» RECONOCER UNA BUENA IDEA

En la práctica no conozco un solo buen negocio televisivo que no esté basado en una buena idea. O sea que este romance es posible. Existe.
La pregunta entonces podría ser: ¿Cómo identificar una buena idea?
Las respuestas según mi criterio van en 2 etapas. La primera puede resumirse en una serie de puntos básicos que como verán sólo tienen que ver con la comunicación y sus reglas más simples. Algunas pueden parecer relacionadas sólo con el negocio, pero no es así. Siempre apuntan a lograr una buena idea. Eso sí... No cualquier idea.

:: Primera etapa

1- ¿A qué público nos vamos a dirigir? ¿Hombres, mujeres, la familia entera, niños, adolescentes?

2- ¿En qué horario se supone que saldremos al aire?

3- ¿Hay un elenco predeterminado? De ser así ¿Quiénes son?

4- ¿Hay un presupuesto? ¿Qué nos permite hacer?

5- ¿Se aspira a que este programa sea sólo local o se pretende exportarlo?

6- ¿Qué duración y frecuencia debe tener? ¿Unitario de media o una hora? ¿O es una novela? Y, en tal caso, ¿A cuántos capítulos se aspira?

7- ¿Hay un género predeterminado? ¿Comedia, romance, drama?

La creación de la idea

Como se verá, el sólo hecho de contestar las preguntas de la primera etapa, achica mucho las posibilidades de error y centran a quienes van a crear la idea en un marco más preciso.

Esta primera etapa vale tanto si se trata de una idea encargada por un canal o una productora, como si se tratara de una elección libre por parte del autor o autores que luego saldrán a ofrecerla. Cualquier posible comprador querrá saber con qué objetivo de público y tipo de producción fue pensada. Y si esto no es claro lo advertirá enseguida.

Contestadas las preguntas de la primera etapa, mi recomendación es “olvidarse” de ellas. En realidad, estas respuestas operarán en la mente del creador desde un segundo plano, advirtiendo inconscientemente si uno se está alejando del camino.
Llegado este punto, simplemente hay que dedicarse a tirar ideas, generar historias, personajes y soñar lo más libremente posible.
Este proceso en la actualidad suele darse en grupo, con un Jefe Coordinador y un equipo de guionistas. Otras veces sólo lo realiza un par de autores, pero muy raramente se gesta en soledad. Es una etapa de brainstorming que periódicamente hay que ordenar hasta conformar una idea base y su desarrollo.
Finalmente, se tendrá la base de una historia, de un programa y aquí es donde comenzará la segunda etapa de preguntas que opera como una especie de control de calidad.




:: La segunda etapa

1.- ¿La idea central puede resumirse en no más de 1 minuto de exposición?

Esta prueba es básica y revela si la idea es clara, comprensible y atrapante.
Hagan la prueba con cualquier creación exitosa y verán que funciona.
Si se necesita más de un minuto para explicarla, algo está fallando.
Si el título oficia de resumen de lo que será la trama, mejor aún. Dos buenos ejemplos pueden ser “Betty, la fea”, “Los Simuladores” ó “Los Machos, no tan machos”.

2.- ¿Para cuántos capítulos me dan esta historia base y estos personajes ?

Se trate de una novela o de un unitario, puede ser que la idea sea muy fuerte pero que no admita mayor desarrollo posterior. Cuántas vueltas de tuerca antes del final permite la historia es algo muy importante de saber. Lo mismo con respecto a la cantidad de personajes y si pueden integrarse otros a medida que la historia avance.

3.- Por último, ya con la idea en la mano, repasar si esta cumple con las respuestas que dimos en la primera etapa.

Quizás no lo haga con todas pero aún cuando la idea sea muy buena, debería cumplir con la mayoría.

» PRESENTAR LA IDEA

Cumplidas las anteriores etapas, llegará el momento de presentar la idea. Más allá de la simpatía o capacidad vendedora que tenga quien lo haga, hay algunos requisitos que hay que tener a mano para demostrar la solidez y factibilidad del guión que llevamos bajo el brazo. Estos son puntos que más temprano que tarde, pedirá un Director de Programación o uno de Producción.

1.- Sinopsis de la historia. No más de 2 carillas. Si la idea es aprobada pueden pedir una más larga; pero en esta etapa cuanto más breve mejor.

2.- Descripción de personajes. También breve y dejando claros los roles: Protagonistas, buenos, malos, coantagonistas, laterales, etc.

3.- Mapa de relaciones entre los personajes.

4.- Tres primeros capítulos escritos para ver cómo se desempeñan los personajes. Si la idea avanza, se pedirán más y escaletas de cómo sigue la historia.

De aquí en más, si la idea es aceptada, comenzará la etapa de desarrollo y producción pero... Esa es otra historia.
Una historia que puede ser distinta según los países. En Argentina, por ejemplo, se empieza a grabar sin la historia terminada aún cuando la sinopsis establezca un final. Muchas veces, hay cambios drásticos en el camino y no se trabaja con demasiados capítulos adelantados.
En países con más tradición novelera, como en Colombia, la gente de RCN puede comenzar a grabar con la historia ya escrita por completo y hasta 50 capítulos grabados antes de salir al aire.
Ambos sistemas tienen sus pros y sus contras pero conviene saberlo si se aspira a que nuestros guiones recorran caminos internacionales.

¿ESTOS PASOS ASEGURAN EL ÉXITO?

Por supuesto que no. En televisión y diría que en el espectáculo en general, el éxito nunca es algo seguro y a veces surge en los lugares menos esperados.
Pero también es cierto que se pueden acotar los fracasos siendo lo más profesionales posibles en el camino de la creación para una televisión comercial.
Todo lo aquí mencionado surge de experiencias reales en canales y productoras.
Por último y dado que todos perseguimos el éxito, vale saber que la gran mayoría de los productos que hacen impacto en la audiencia tienen un componente de innovación que rompe con alguna regla anterior establecida : Sea por el tratamiento de un tema (El Clon), por un personaje protagonista atípico (Betty ,la Fea), por descubrir alguna temática poco usada últimamente ( Los Roldán), por mezclar géneros como romance e intriga (Montecristo) o encontrar un nuevo tratamiento dentro de una temática conocida (Montaña Rusa).
Mientras la historia sea clara y la gente la comprenda no hay que temer intentar nuevos caminos. Al fin y al cabo, todos conocíamos el final de TITANIC y fue la película más taquillera de la historia. Y también conocemos los finales de MUJERES ASESINAS, sin embargo también es un éxito.
¿O acaso no sabemos también cómo terminarán la mayoría de las novelas?
Es bueno saber que en televisión, quizás más que en el cine o en el teatro, muchas veces más importante que el final es el camino que recorremos hacia él.

AUTOR: Hugo Di Guglielmo es Consultor Internacional de Medios