Consejos para guionistas: 10 Reglas Dramáticas para la Lucha Política

Regla 1. Jamás subestimes al Antagonista

Es la regla número uno del drama y de la lucha política. Un antagonista disminuido en la mente del escritor (o del actor político) convierte el drama en sainete, tanto en la esfera de las batallas ficcionales, como en la arena de las confrontaciones políticas. El Antagonista debe ser visto objetivamente, con sus debilidades y con sus fortalezas, a menudo implacables. Jamás digas “El Antagonista no se atreverá”, porque el Antagonista se atreve a todo, por eso y para eso es el Antagonista. La inobservancia de esta regla suele acarrear el desastre literario y/o político.

Regla 2. Apunta tus armas al corazón de tu adversario

Distingue lo externo de lo interno, lo circunstancial de lo esencial de tu adversario. Por muy duro que luzca, el Antagonista tiene algún agujero en su corazón. Tu tarea es encontrar ese agujero y dirigir tus recursos hacia la destrucción de la estima del Antagonista. No sólo de campos tomados está hecha la victoria, sino de lágrimas y angustias de tu antagonista.

Regla 3. Actúa por sobre todas las cosas

La herramienta de avance dramático y político por excelencia es la acción: sólo con acciones se gana terreno —diegético o político—. No confundas las situaciones ventajosas —que son mero divertimento triunfalista propio de personajes envanecidos— con las acciones que hacen progresar al Protagonista, tanto en la reafirmación de su voluntad, como la aproximación a su meta. Evalúa cada uno de tus movimientos y pregúntate si te acercan a la meta.

Regla 4. Que tus palabras sean actos: lo importante es lo que haces, no lo que dices

Las palabras que valen son las que constituyen verdaderos actos de habla, es decir, que se traducen en acciones. El que hace es quien gana terreno, así su hacer sea verbal. No te quejes, las quejas fortalecen al Antagonista. No abras la boca, si no estás seguro que tus palabras fulminarán al adversario.

Regla 5. Elude las reglas de juego del Antagonista

La confrontación —dramática y política— se da siempre en un terreno de espejos y sobre ella tiene el control aquel que impone su perspectiva. Si escoges jugar el juego del Antagonista, avanzarás como el ratón en el laberinto del gato. Tienes que romper las reglas del Antagonista y hacer que él comience a jugar tu propio juego.

Regla 6. Sorprende a tu adversario, tal como sorprendes a tu lector

El revés debe ser la unidad sintáctica de tu acción dramática (y de tu acción política): haz que el Antagonista imagine todos tus movimientos y diseña un movimiento que él no haya podido imaginar. Recuerda que las sorpresas que tienen efecto sobre la estabilidad del contendor son las que cambian abruptamente su trayectoria: hazlo correr en una dirección y gira de improviso para que pierda el equilibrio.

Regla 7. Evita los lugares comunes

De lugares comunes están empedrados los cementerios literarios y políticos. No utilices tu creatividad para ser aplaudido por tus pares o tus amigos, sino para enriquecer la lucha dramática (y política). Inventa cada escena de tu obra dramática (y política) como si actuaras o escribieras por primera vez.

Regla 8. No confundas tu punto de vista con el punto de vista objetivo

No te dejes obnubilar por tu tristeza o tu entusiasmo: un buen relato dramático es el que construye un mundo posible en el que se alojan las fantasías de su protagonista, no aquel que confunde las fantasías del autor con el mundo que está creando. Jamás pierdas la mirada panorámica: una cosa es creer que estás alcanzando la meta y otra muy distinta es ganar la batalla objetiva.

Regla 9. No confundas efecto con efectismo

Si bien en el drama y en la política el show tiene un valor de uso, no subestimes nunca dicho valor: haz que el efectismo de tus acciones vaya de la mano con su efecto real. Recuerdo que el espectáculo es efímero y el drama es eterno.

Regla 10. No confundas la circunstancia con la esencia, ni las tácticas con las estrategias

No te envanezcas con las victorias, ni bajes la espada porque el Antagonista reposa. En otras palabras, no te duermas en los laureles. Recuerda que los héroes de todos los tiempos son aquellos que saben reconocer cuando el dragón está durmiendo.

Via: frankbaiz.blogspot.com

Marcelo Mitnik: "En Hollywood lo seguro es siempre lo ya conocido"

El argentino Marcelo Mitnik está próximo a filmar su opera prima, "Living and leaving L.A.", una comedia sobre un actor argentino que aterriza en Los Angeles en busca de la película para la que le habían contratado y que se frustró. Será la primera experiencia tras la cámara de este libretista que estudió en Hollywood guión y realización. En entrevista exclusiva -e imprescindible para cualquiera que quiera dedicarse profesionalmente al cine- desde Los Angeles con Noticine.com, Mitnik nos desvela los secretos del éxito o el fracaso... y de la lucha para crear en la meca del Septimo Arte.

- Existe la idea de que los estudios de Hollywood están ansiosos por captar un buen guión. ¿Es eso cierto o no basta con tener talento para triunfar allá?
En general existe en Hollywood una desconexión entre lo que los estudios dicen y lo que hacen. Si hablas con sus ejecutivos, todos te van a decir que se mueren por captar "the next best thing", ese guión original, diferente y que capture la imaginación del publico y los críticos. Pero a la hora de producir films, la gran mayoría elige comprar guiones basados en material preexistente: "remakes" de películas extranjeras o americanas, adaptaciones de libros o comics ,secuelas, precuelas, etcétera. Es más, cada año que pasa se producen menos "spec scripts", o sea guiones originales escritos por guionistas por motu propio. El año pasado fue uno de los años de menor producción de ese tipo de libretos, a pesar de que fue un año record en recaudación. Si tomas las diez películas mas taquilleras del 2009 en Estados Unidos, encontraras que solo tres fueron guiones originales ("Up", "Avatar", y "Resacón en Las Vegas / ¿Qué pasó ayer?"). Todas las demás fueron creadas a partir de obras preexistentes : secuelas, adaptaciones de libros, remakes de programas de televisión, etc. Si tomas en cuenta las Top 20, la proporción es exactamente igual. Solo un 30% de material original es una desproporción demasiado grande. En 1999 la proporción era aproximadamente 50/50, así que claramente la industria está cambiando, moviéndose cada vez más hacia el lado de lo seguro, lo cual coincide con un crecimiento récord de los presupuestos: cuanto más cara la película, más segura necesita ser la inversión. ¿Y qué inversión es más segura que la de una obra cuyo éxito ha sido comprobado? De hecho, mi primer trabajo como guionista profesional en los EEUU fue para el "remake" Hollywoodense de una comedia romántica suramericana. Y entre mis próximos proyectos están los de opcionar los derechos de algunas películas de genero de habla hispana para sus "remakes" en inglés. "Remakes"" buenos y respetuosos, ¡no como algunos horribles que se hicieron! Pero "refritos" al fin y al cabo.

- Hemos leído que un director le pidió este guión para adaptarlo él. ¿No le tentó la oferta? ¿O siempre quiso ser director además de guionista?
Sí, siempre quise ser director además de guionista. De hecho, mi decisión de especializarme en guión vino como consecuencia de que en EEUU si uno quiere dirigir, el camino más directo es el de tener un guión al que uno pueda "attachearse" como director. Hace algunos años, el director del que fue mi primer proyecto como guionista profesional leyó mi guión de "Living and Leaving LA" antes de seleccionarme. Como le gustó, me ofreció opcionarlo para dirigirlo él, pero mi idea había sido siempre la de dirigirlo yo. Así que, a pesar que una oferta como esa es siempre tentadora, preferí esperar hasta que fuera el momento adecuado y poder dirigir la película yo mismo.

- Aunque la película tiene como protagonista a un actor argentino, imaginamos que se habrá nutrido usted de su propia experiencia como argentino en Hollywood para conformar el guión. ¿Qué tanto por ciento de autobiográfico hay en la trama?
Desde el momento que la historia cuenta las andanzas de un argentino en EEUU, es inevitable que haya algo de autobiográfico en el guión. A pesar de que yo no soy actor, y de que en mi caso vine a los EEUU a estudiar guión cinematográfico a la UCLA y no "a probar suerte" como el protagonista de mi película, mucho de lo que se cuenta en el guión está inspirado en algunas cosas que viví o de las que fui testigo en forma personal. En realidad, es imposible hacer un guión que no tenga algo de personal, incluso si las vivencias no son propias. Cada personaje tiene algún que otro elemento de uno. Mis profesores de la UCLA siempre decían, y con razón, "escribí de aquello que conozcas", o dicho sea de otra manera: los mejores guiones son aquellos muy personales por alguna razón u otra.

- ¿Con una producción argentina y no norteamericana cree haber ganado en libertad?
Definitivamente. Por eso es que siempre quise hacerlo como producción argentina. En Argentina y en Europa (¡en realidad, en cualquier país del mundo que no sean los EEUU!) hay muchísimo mas respeto por el trabajo del guionista y del director. Y si bien este es un proyecto con mucho potencial comercial, también es cierto que es una película bien personal y diferente a lo que normalmente se hace en EEUU: es bilingüe, es una comedia mas "off beat", de un tipo que no se suelen hacer mucho por aquí, etcétera. Eso no quiere decir que la producción será 100% argentina: es muy probable que sea una coproducción argentino-europeo-norteamericana, aunque basada en argentina.

- ¿Qué segundas lecturas podemos encontrar en su historia?
Una de las cosas de las que habla mi guión es de esta cosa multicultural que tiene Los Angeles. A pesar de que la mayoría de la gente que viene de afuera por poco tiempo no lo llega a ver, L.A. es una ciudad donde conviven gente de 180 países diferentes, donde se hablan mas de 200 idiomas, donde la diversidad étnica y cultural la vuelven una de las más interesantes del mundo (siempre y cuando uno realmente la explore más allá de lo que todo el mundo conoce, que es la imagen marketinera de Hollywood). Esto es una de las cosas que más me gustan de este lugar y que quería que fuera parte de mi película. De hecho, además de español e ingles, hay escenas con diálogos en coreano, turco, húngaro, etc. Y esto es algo que también me gustaría que se viera reflejado en el "detrás de las cámaras", con gente de Argentina, Europa, Estados Unidos, México, etcétera trabajando juntos.

- ¿Qué consejos daría a un guionista latino que crea tener un buen texto para vender en Hollywood?
No sé, en realidad, porque no soy bueno para los consejos. ¡Las experiencias son tan personales! Lo único de lo que puedo hablar es de cómo yo viví mi carrera, mi comienzo en esta ciudad. Y mi experiencia fue muy particular: vine a estudiar un programa en la UCLA para guionistas por un año, me quede otro año para hacer el curso avanzado, luego me aceptaron en el programa de Master de la UCLA (¡un milagro, la verdad!), y comencé a hacerme conocer a través de concursos, etc. Mi primer y segundo trabajo de forma profesional, como guionista, los conseguí a través de gente que conocí a partir de mi experiencia en la UCLA o de premios como el Jack Nicholson Award, el Sidney Sheldon Screenwriting Award, el BAFTA/LA Award, etc. Y los demás trabajos surgieron a través de mis representantes, o de otros productores que me recomendaron. Pero te diría que, en términos prácticos y muy generales, hay ciertas cosas que son importantes para guionistas latinos o norteamericanos tratando de vender un guión aquí. Algunas son tan elementales, que me imagino que no hacen falta mencionarlas (formateo profesional, registrar el guión en el Writers Guild of America para proteger la propiedad intelectual, etc). Pero hay otras que son críticas: es fundamental que el guión este realmente listo. Todos tenemos ansiedad en mostrar el bebé, pero un primer draft no es un guión listo para ser mostrado a la industria. Un segundo draft tampoco, dado que recién allí uno comienza a entender su propio material. Lo más habitual es que un guión recién esté cerca de llegar a estar listo para ser mostrado a partir de la tercera o, más comúnmente, cuarta versión. Como dicen las viejas en Argentina, no existe una segunda oportunidad para una buena primera impresión, así que es fundamental que el guión no sea un "work in progress" cuando se muestre. Por supuesto que uno no deja nunca de reescribir. Un profesor que siempre admiré decía que un guión nunca se termina, solo se abandona. Pero es fundamental ser muy objetivo al analizar si es momento de compartirlo con gente de la industria.

- ¿Y una vez terminado o casi...?
Luego que esté terminado, no hay un solo camino para llegar a la gente adecuada. Los concursos y festivales serios pueden ayudar a dar visibilidad. Conseguir un agente o un contacto en Hollywood que pueda pasar el guión a quien corresponda es importante, dado que casi ninguna compañía acepta materiales no solicitados. Fuera de eso, es importante recordar que todo esto lleva mas tiempo de lo que uno cree, pero que si uno cree en su guión, tarde o temprano, es realmente posible llegar a concretar lo que uno se desea. Como en cualquier otra actividad, en nuestra industria la persistencia es clave. Como decía Woody Allen, "Eighty percent of success is showing up" (el 80% de la clave para el éxito lo da el estar allí). Si uno abandona antes de tiempo, es probable que no esté para cuando se comiencen a dar los resultados.

- ¿Qué cree haber aprendido usted sobre la industria norteamericana del cine que considera debería aplicarse en la Argentina u otro de nuestros países hispanos?
Una de las cosas mas valiosas que aprendí fue la visión industrial del cine, el internalizar que hacer películas no es lo mismo que escribir una novela o pintar un cuadro: Para que haya cine tiene que haber inversores, y esos inversores tienen que ganar dinero con su inversión. Es bastante simple y obvio en realidad, pero es algo de lo que a veces nos olvidamos en nuestros países, en que el cine es a menudo subsidiado. Ese concepto es algo que en la UCLA nos marcaron a fuego. Siempre nos decían: lo mas importante en lo que tienen que pensar para la primer película, es en la segunda película. O sea, si la primer película no funciona y es un experimento en el que los inversores pierden plata, es probable que no haya una segunda película. Ahora bien, yo también creo que hay muchísimas cosas de nuestras industrias que son maravillosas y que la industria americana no tiene, como el apoyo institucional al cine. Es altamente probable que muchas de las grandes películas argentinas o españolas (entre ellas, varios de mis films preferidos) no se hubieran podido hacer en EEUU, por haber sido proyectos muy personales, con alto valor artístico pero poco potencial comercial. Desde ese punto de vista, es maravilloso y esencial que exista un apoyo estatal a la realización cinematográfica. Creo, en definitiva, que ambos modelos tienen grandes ventajas y falencias, y que una combinación de ambos sería lo ideal.

- Se enfrenta por primera vez a la realización de un largo... ¿Qué le asusta más de todo lo que ello conlleva?
Muy buena pregunta. Te diría que siento mucha confianza en el guión. Tal como se debe, lo reescribí muchas (¡muchas!) veces. Así que sé que funciona, que a la gente le gusta, les resulta divertido y les emociona. ¡Entonces en lo que debo enfocarme ahora es en hacer que mi trabajo de director no haga trastabillar el material! Para eso hay un par de cosas claves: dejar el ego de lado, y rodearme de gente con más experiencia y capacidad que la mía. Mi película ya tiene los productores ideales, gente a la que respeto mucho profesionalmente y en la que confío. Ahora es cuestión de elegir bien a las dos posiciones claves para un director, el Director de Fotografía y el Primer Asistente del Director. Con respecto al casting, la idea es no solo elegir gente que nos gusta sino con la que uno pueda trabajar bien (eso se puede ya comenzar a ver en las sesiones de casting). Fuera de eso, es fundamental tener una visión clara y hacer "los deberes" antes del rodaje ("pre-visualizations" y todo lo que te puede ayudar en el trabajo). La segunda parte clave del proceso es encarar el rodaje con humildad y confiando en el grupo de gente que uno eligió, transmitiendo claramente esa visión, y creando un clima de colaboración y tranquilidad en el set. ¿Que si me pone un poco nervioso la cosa? ¡Por supuesto! Y creo que un poquito de miedo es bueno. Ese miedo a no arruinar la sopa es el mejor impulso para prepararse lo mas que uno pueda antes del rodaje. ¡Nada como el temor para asegurarse que el paracaídas este en condiciones antes de saltar del avión!

-¿ Intentó vender su guión a algún gran estudio?
Contrariamente a lo que publicaron un par de sitios en Internet, el guión de "Living and Leaving L.A." nunca se mostró a estudios, dado que mi idea fue siempre la de hacerla como película internacional, pero desde Argentina. El único lugar al que envíe el guión en EEUU fue a concursos de guiones, donde el proyecto, por suerte, anduvo muy bien. Ahora que el proyecto ya tiene productores en la Argentina (Veronica Cura y Alex Zito, que son maravillosos), veremos de elegir los socios en EEUU y/o en Europa.

Via: abc guionistas

Laura Pousa "Es hora de arriesgar en las series de televisión"

Durante los últimos cinco años, Laura Pousa ha formado parte del equipo de guión de la serie televisiva «Cuéntame cómo pasó» producida por el Grupo Ganga, donde actualmente desarrolla nuevos proyectos, entre ellos «Un país para comérselo» para TVE. Además, es profesora universitaria, crítica de cine y escritora de libros. Estuvo en Mieres formando parte del jurado del Festival de Cortometrajes y allí la entrevistó La Nueva España.

-¿Cómo es el momento actual de las series de televisión?
Estamos en un momento importante en la producción de series, las cadenas están apostando seriamente por la producción nacional. Ahora es el momento de arriesgar y dar pasos hacia adelante.

-¿Siguiendo el camino de Estados Unidos?
Sí, allí han revolucionado el mundo de las series en la última década. Así que como tradicionalmente en España vamos asumiendo sus modas y tendencias, estaremos en una buena situación en los próximos años. Y eso va a favorecer a la industria.

-De USA al barrio de San Genaro. ¿Cómo se escribe un guión en España?
La temporada en «Cuéntame» comienza con reuniones de las siete u ocho personas que trabajamos en el equipo de guionistas. En esas reuniones hacemos constantes tormentas de ideas para ver cuál va a ser el rumbo de la temporada. Luego llega la «biblia», documento base en el que se encuentran todos los rasgos de la serie tales como la descripción de los personajes, su profesión, sus características personales, sus gustos, la relación que tienen entre ellos y un largo etcétera.

-Entonces los capítulos están escritos por todo el equipo.
No. Una vez decidido la estructura, cada guionista se hace cargo de un capítulo en el que escribe los diálogos y la escaleta. Pero debe coordinarse con los otros guionistas para evitar que haya desequilibrios entre los capítulos.

-Entregan los capítulos y se van de vacaciones.
Ya nos gustaría, pero la temporada comienza a emitirse antes de que se acaben los guiones. Seguimos escribiendo y modificando porque en ocasiones un personaje secundario comienza a cobrar fuerza o por el contrario no funciona porque el camino diseñado no encaja con el resto de personajes.

-¿Y el resto del equipo de la productora opina en los guiones?
Una serie de televisión es trabajo de un gran equipo, así que cualquiera puede leer el guión y decirnos que las reuniones políticas no eran así o que en el año 1973 algunos platos se comían en unas partes de España y en otras no.

-Entonces el equipo de guionistas es más amplio.
Termina siendo una aventura intergeneracional. Yo he consultado a mi madre y mi abuela sobre un montón de temas de la vida cotidiana de la época. Como es una época muy reciente de la historia de España, los espectadores mayores tienen que identificarse plenamente con los usos y costumbres de los personajes de la serie. Así que he leído libros sobre la transición en España, biografías, testimonios y visionado muchos Nodos.

-Por lo que dice "Cuéntame" tiene mucho de documental.
Sí, pero es una serie de ficción. Trata temas recientes del país, tiene insertos de imágenes de la época, pero no es un documental.

-Además de guionista es profesora universitaria y crítica de cine. ¿Le sirven estas actividades para conocer mejor la realidad audiovisual?
Como profesora veo que hay gente joven con interés y ganas de hacer cosas. Como crítica cuando escribo pienso lo que voy a decir de la película, no lo que voy a decir al espectador. Creo que las críticas cinematográficas deben hacer un análisis constructivo.

-¿Están de moda los festivales de cine?
Es cierto que hay muchos festivales pero eso es bueno, porque ayuda a que se hagan cosas, que se visualicen los proyectos y que los espectadores valoren lo que se hace en el mercado audiovisual, ya sea nacional o internacional.

-¿Cómo va de proyectos?
Está a punto de estrenarse el programa «Un país para comérselo» en TVE. Es un programa gastronómico que tratará de enseñar a los espectadores la riqueza de los productos de comunidades autónomas, así como diferentes aspectos culturales y humanos. El programa está presentado por Imanol Arias y Juan Echanove .

-Escribimos un guión para usted y le permitimos escoger una cadena de televisión para la que trabajar.
Fácil, la cadena norteamericana HBO. A ella le debemos las mejores series de los últimos tiempos como «The wire», «Los Soprano» o «Carnivale». No me importaría firmar alguno de sus capítulos.

Hay más novela negra que policiaca porque es más fácil de escribir

Cuando José María Guelbenzu ‘conoció’ a Mariana de Marco, la jueza especializada en Derecho Penal, a la que las circunstancias de la vida la ponen a rastrear crímenes, comenzó una nueva vida literaria. Cuando el autor de ‘El sentimiento’ publicó en el 2001 ‘No acosen al asesino’, historia en la que por primera vez aparecía el personaje, ya tenía tras de sí una larga trayectoria como novelista, en la que había ganado el premio de la Crítica (‘El río de la luna’) y el Plaza&Janés (‘La tierra prometida’); y como director editorial de los sellos Alfaguara y Taurus.

‘No acosen al asesino’ protagonizó ayer una nueva sesión de fomento de la lectura del instituto vallisoletano El Pinar de La Rubia, donde fue presentado por la también escritora y profesora del centro Esperanza Ortega. Guelbenzu se dio un baño de lectores jóvenes y explicó los entresijos de un género al que llegó un poco por casualidad. «En principio lo único que quería era escribir una novela policiaca. En esa primera historia Mariana de Marco ni siquiera era un personaje central. Sólo cuando me di cuenta de que podía ser un gran personaje comencé la serie. Y entonces no me preocupaba tanto hacer novela policiaca como seguir al personaje».

Desde entonces otras tres novelas han seguido la vida de la juez, la última, ‘Un asesinato piadoso’ publicada el año pasado. Y de momento no tiene intención de abandonarla. «Es un personaje al que le quedan todavía… por lo menos un par de novelas. Para mí es ante todo un reto. Porque un personaje que se va construyendo novela a novela es un asunto muy arriesgado. De hecho yo estoy tomando notas para el futuro. Porque si, de repente, en una futura novela necesito que tenga un hermano, éste no puede aparecer de la nada, si antes no estaba… Este tipo de cosas hacen que el relato sea complicado y para mí, que no soy nada acomodaticio, un reto personal».

Reconoce que la novela policiaca está viviendo un momento dulce. Pero es muy escrupuloso -aquí le sale la vena de crítico en activo- a la hora de diferenciar con nitidez la novela policiaca y la novela negra, que habitualmente se meten en el mismo saco. «La novela policiaca es fundamentalmente un grupo de sospechosos en torno a un cadáver, y en la novela negra es una novela urbana, en torno a la mafia, el narcotráfico, que a veces se conecta con el género fantástico o con el esoterismo. En la novela policiaca, que es la que yo hago, plantea al lector un juego: usted puede ser el que descubra al asesino. Pero en la novela negra el lector va con la lengua fuera por donde le lleva el autor, que va minando el camino de golpes de efecto, que serían al cine lo que los efectos especiales en las películas de susto que no es lo mismo que el cine de terror».

Cree que lo que tiene éxito de verdad es la novela negra. «Porque es más fácil de escribir. No exige verosimilitud. También en España tiene éxito porque es una manera directa de denuncia social».

Ninguna de sus historias ha sido llevada al cine y es una idea que le atrae muy poco. «Pondría condiciones. De entrada, no me gustaría porque cuando uno inventa un personaje le está pidiendo al lector un esfuerzo de imaginación. Pero si de repente una actriz le pone una cara y un físico, se acaba el misterio».

Del Este

Considera «un rasgo de distinción» tener pocos premios, en un país en el que abundan y «en el que algunos escritores los tienen todos, como se puede comprobar leyendo las solapas de sus libros. Algo totalmente increíble». Y tampoco es de los que se adscriben a un autor fervientemente. «Es que me gustan muchos. Hay tantos escritores que tienen un buen libro».

Maneja tanta información que le resulta difícil hacer un verdadero descubrimiento. Aunque recientemente se ha dejado seducir por ‘El regreso del soldado’ de Rebecca West. Y está seguro de que las sorpresas vendrán de los países del Este, de escritores como el polaco Andrzej Stasiuk y el ucraniano Uri Andrujovic que han escrito al alimón el ensayo ‘Mi Europa’.

Él mientras tanto está dedicado a su próxima novela que no será una novela de género.

Las reglas fundamentales para escribir una novela

1-Fichas:

Hay que abrir una fichero para cada novela. Abre fichas de cada personaje con su retrato, filiación, dónde parece, cuando sale, anotar las frases que suele repetir los quid dialécticos y las palabras que suele repetir. Cada personaje ha de ser único e irrepetible. Ficha de metáforas nuevas, salir de las frases tópicas, manidas y sabidas. Gráfica de emociones: narración, conflicto, intriga, resolver el conflicto. Plantear algo que le inquiete al lector en la primera página, donde debe existir algo extraño, anormal, curioso, que intrigue, o una frase que llame la atención, son nuestros jazmines venenosos, hay que coger al lector desde el principio poniéndole un buen cebo en la boca o una alfombra para que entre en nuestra trampa, si consiguiéramos interesarle y que pase de la primera página, ya es nuestro. Dar información cuando nos conviene, generalmente poco a poco.

2 - Documentarse:

Toda novela requiere un trabajo previo de documentación. Lo primero para escribir sobre un tema es documentarse sobre el mismo, es decir, entrar en el tiempo histórico de la novela, qué época, es el andamiaje invisible de la novela, el ambiente, la situación humana, las costumbres el perfil de las ciudades. Lo cómodo es situarse en el barrio donde vives, que tambien puede tener sus méritos o en un río como en la novela social "El Jarama".

El trabajo de documentación es quizás lo más aburrido, pero el más satisfactorio, porque te entretienes en la investigación, sin una documentación adecuada, la novela carecerá de credibilidad y esto un ¡puffff...! y sobre todo si es histórica, religiosa o biografiada… Supone visitar bibliotecas, consultar libros, buscar en Internet, libros on-line, base de datos del ISBN, hemerotecas, archivos. Y si es posible trasladarse al lugar donde ocurrieron los hechos.

Una vez realizada este trabajo que puede durar años, estamos en condiciones de indagar sobre lo específico y genuino de nuestra historia, el lenguaje. Un ejemplo es El maestro de esgrima de Arturo Pérez Reverte, nos habla de esgrima con una precisión que nos introduce en un mundo y en una realidad, aprendemos qué es el golpe de glisada, la estocada de los 10O escudos. En mi novela histórica El rey de los moriscos me costó dos años documentarme de la rebelión de los moriscos, de la historia, de las costumbres y del lenguaje de la época.

3 - Empezar a escribir (el bloc de anillas).

Es muy difícil empezar y terminar una noveal de un tirón, en bloque, salvo que seas un genio. Lo lógico es empezar con un relato, subidividirlo en capítulos y luego trabajar en cada capítulo, y al final unirlos. Debemos dedicar un bloc con anillas para el trabajo de campo, a mano, para poder intercambiar hojas.. Donde se dividirá por capítulos, trazar mapas, índice de capítulos, vocabulario, listas de personales, escenarios, paisajes... Esto es el principio, luego todo este material hay que pasarlo al ordenador, hoy en día no se concibe una novela en la Olivetti, porque si consigues publicarla, ¡coño! esto no lo había pensado, te pedirán el CD.

Imprimir borradores, hay que tener una visión global, leerlo en papel y corregir, ordenar los capítulos por separado, y trabajar luego en cada capítulo, sin perder la visión global. Volve al texto en word y repasar.

4 -Primera frase:

Aquí radica el éxito de ventas de las novelas. La primera frase ha de ser muy meditada, y ha de ser corta y dura. Es el anzuelo para pescar a un lector, para que te siga o no te siga leyendo, de que la compre o no la compre, o la deje en el estante de la librería. Lo que no se puede hacer es empezar con una frase blanda, larga que te cuesta cinco minutos descifrarla. Empezar con una larga descripción siempre es aburrida, o empezar con un diálogos largos, tampoco no se puede empezar a escribir una frase para rellenar, hay que tener en cuenta que escribir es rehusar, eliminar párrafos en las correcciones posteriores, por eso es aconsejable escribir primero todo lo que se nos ocurra para después, en el escombreo (separar lo bueno de lo débil), ir entresacando lo que no se sostiene, o es aburrido o aleja al lector del núcleo del relato novelesco.

Los mejores relatos o novelas, dependiendo del gusto del lector, son aquellas que se leen sin dificultades, con escasos puntos y aparte, huir de los guiones de diálogo, éstos y los puntos y aparte son pequeños obstáculos o dificultades para que el lector vuelva a empezar otra enumeración o enunciado, la mayoría de los lectores abandonan las páginas al finar de un punto y parte. O bien anticipar, como empieza Antonio Muñoz Molina en la novela Beltenebros: "Vine a Madrid para matar a un hombre..."

5 - Algunas recomendaciones finales:

Una vez escrita recomiendo dar la novela a corregir a un corrector de estilo antes de enviarla a una editorial. Si tiene dos faltas de ortografía te la van a rechazar inmediatamente. Hay quien se dedica a estos menesteres correctores, son personas atentas al descuido, tienen cualidades y profesionalidad ortográficas, pero nos son muy útiles para que el texto quede decentemente ortográfico. Por lo general los creadores son descuidados.

Hay que hacer una copia en papel a doble espacio, y trabajar sobre ella, tachar, hacer notas marginales, corregir, encauzar, reescribir, por eso los editores piden copias a doble espacio, porque hay mucho por corregir y preguntar. Presentarla en el Registro de la Propiedad Intelectual antes de enviarla a editores o premios. Algunos editores son verdadera pirañas.

Shana Feste habla sobre 'The Greatest' con Susan Sarandon y Pierce Brosnan

Se trata de un drama familiar que arranca con el accidente mortal del hijo de una pareja madura. Feste, que estrenó su cinta en Sundance el pasado enero, se formó en Arte Dramático, guión y producción, antes de debutar con esta cinta.

- ¿En qué se inspiró para escribir el guión de la película?
Siempre he sido muy fan de la película "Gente corriente". La primera vez que la vi me impresionó muchísimo y a partir de ese momento empecé a sentirme fascinada por el dolor y los dramas domésticos. Empecé a investigar sobre el tema del dolor causado por la muerte de un ser querido y me inspiraron mucho las historias de padres que habían perdido a un hijo. La increíble vulnerabilidad y honestidad que mostraban me impresionó, al igual que la manera hermosa en la que la tristeza gobernaba su comportamiento. Además, mientras realizaba esta investigación inicial me ocupaba de un precioso bebé que dormitaba sobre mi pecho mientras yo apuntaba ideas en un cuaderno que me llevaba al trabajo todos los días. Trabajé mucho con el amor que sentía por ella, con el amor que ella proyectaba hacia mí y con el poder potencial que tienen los bebés para curar a aquellos que los rodean. La combinación de esas dos experiencias tan diferentes me inspiró para escribir "El mejor".

- ¿Le ha costado mucho hacer la película?
¡Todo lo contrario! De hecho ha sido muy fácil hacer esta película. Mi experiencia anterior para conseguir financiación fue como un paseo en una montaña rusa económica durante el que el proyecto se hizo y se deshizo demasiadas veces. Esperaba que me pasara lo mismo con este guión, pero mis agentes se lo mandaron a un par de productoras, y me quedé prendada de Lynette en cuanto nos conocimos. Supe inmediatamente que era la persona que quería que produjera la película y ella dio con Barbarian que se encargaron de financiarla. Por motivos obvios no iban a firmarnos un cheque en blanco y dejar que eligiéramos libremente a los actores que quisiéramos, sabíamos que teníamos que dar con intérpretes de cierta calidad que pudieran sacar adelante esta película y consiguieran que ésta emocionara al público. Ése fue el proceso más difícil: dar con actores de primera que estuvieran dispuestos a trabajar con una directora primeriza. Gracias a la reputación de Lynette, logramos el apoyo de muchas de las principales agencias que le transfirieron el guión a los actores adecuados. Los agentes de Pierce mandaron el guión a Irish DreamTime y Pierce y su equipo se involucraron en el proyecto. Por no hablar de la tranquilidad que da trabajar con un productor tan respetado y experimentado como Beau St. Clair.

- Como directora de largos primeriza, ¿cómo ha logrado atraer a un reparto tan famoso?
Me gustaría decir que fue gracias a la fuerza del guión. He trabajado detrás de las cámaras en una agencia y allí aprendí que el reparto lo es todo: ellos son el motor que mueve las películas. Sabía que si quería dirigir esta película, necesitaba escribir papeles que atrajeran a los actores. Intenté crear personajes que parecieran honestos y recé para que llegaran a los intérpretes adecuados. Cuando Pierce y Susan aceptaron, les convencí, aunque no sé muy bien cómo, de que sabía cómo había que dirigir un largo, si bien esto distaba completamente de la verdad, pero tenía un libro con ideas visuales y paletas de colores y storyboards caseros y, lo que es más importante, mucha pasión y eso me sirvió para transmitir la historia. Gracias a dios confiaron en mí y se arriesgaron a trabajar en el proyecto.

- Como guionista del film, ¿cuál es la esencia de la película y de los personajes?
Es un filme sobre una familia que se recompone. Hice que los personajes pasaran por la situación más terrible que puede vivir un ser humano y compartí su dolor de una manera tan intensa que sabía que tenía que hacer algo para que se sintieran mejor. Quizá les pueda parecer que encajo en el cliché de escritora que viene de un hogar roto, pero sabía que tenía que “arreglar” a esta familia y sabía que todo iba a acabar bien al final. Espero haber escrito una historia sobre el amor y la fuerza de la familia.

- ¿Cuánto duró el rodaje? ¿Dónde se ha rodado?
El rodaje duró 25 días y filmamos en la zona Nyack de Nueva York.

- ¿Cuál es su escena favorita de la película?
En mi escena favorita vemos que Carey sostiene a su bebé recién nacido. Era un bebé de verdad y creo que a Carey le daba mucho miedo cogerla, de hecho puede que fuera una de las primeras veces que cogía a un recién nacido. El resultado final es una extraordinaria combinación de miedo y emoción, y me encanta la mirada que tiene cuando sonríe a la familia Brewer antes de bajar los ojos hacia su bebé. Se me empañan los ojos cada vez que la veo.

Via: abcguionistas

‘Avatar’ 20th Century Fox cuelga en Internet el guión para buscar el Oscar 2010

Mientras la recaudación de la película se dispara, y se convierte ya en la segunda más taquillera de la Historia (la primera es ‘Titanic’) nosotros vamos a seguir discutiendo sus aciertos y sus defectos. Nadie discute los impresionantes efectos especiales, pero el guión de ‘Avatar’ es otra cuestión. Con los Globos de oro y los Oscars a la vuelta de la esquina, la Fox ha decidido poner a disposición de cualquiera, en formato PDF, el libreto definitivo que escribió James Cameron (a los doce años, dicen por ahí), quizá para dar otra oportunidad a los que creen que es malo, pobre o poco trabajado. Podéis leerlo pinchando aquí.

He estado leyendo algunas páginas (imprescindible ojear la escena del apareamiento alienígena, que dicen que fue censurada, pero es mentira, sólo otra artimaña publicitaria para vender DVDs, donde sí estará), y después de volver a ver la película, sigo pensando lo mismo: no es un guión adulto. Da pie a secuencias espectaculares, pero la historia y los personajes no están escritos con la misma maestría con la que Cameron maneja la acción. Es un guión sin profundidad, con diálogos mecánicos. Pero sólo es mi opinión, evidentemente.

Si aún tenéis ganas de más, también podéis acceder a un primer tratamiento del guión de ‘Avatar’. Un primer borrador con bastantes diferencias respecto a la versión final, sin la mayoría de los diálogos (aún no está el famoso “ttte vvveooo”). Por otro lado, si todavía tenéis ánimo y tiempo, en Chud.com han tenido acceso (o se han inventado y Cameron no ha querido negarlo) al guión de ‘Project 880’, que es como se tituló en un principio ‘Avatar’, de forma provisional. Por si queréis comparar, podéis pinchar aquí.

Y por último, a continuación os dejo el que dicen por ahí que es el verdadero primer borrador del guión de , en el que podemos comprobar cómo empezó a idear James Cameron su última película, la última gran obra de ciencia ficción, según muchas palomas especializadas.

Avatar gran espectáculo, buen guión

Por Jon Apaolaza

Cuando James Cameron dijo presa de la emoción al recoger el Oscar por "Titanic" que se sentía "El rey del mundo", ahora bien podría reclamar el título de emperador. "Avatar", su largamente esperado regreso, es un triunfo y será un éxito. Hay películas que crean época, que significan un antes y un después, que representan la victoria del talento y la sensibilidad humanas de decenas, cientos de mentes creadoras, y hacen avanzar al cine como arte e industria. "Avatar" es una de ellas.

A lo largo de más de una década Cameron, un tipo con el que dicen más vale ser siempre excelente si quieres seguir trabajando a su lado, perfeccionista hasta el despotismo, ha mejorado las tecnologías de captura de movimiento y de animación por computadora para dar vida a un planeta, Pandora, y sus habitantes, y convertirlos en reales y creibles... hasta "sexies". Seguro que algunos de ustedes recuerdan haber compartido el asombro de Sam Neill y Laura Dern cuando en "Parque Jurásico" se veían rodeados de gigantecos dinosaurios. Pues ahora sentirán eso multiplicado al contemplar unos na'vis de gráciles y alargadas figuras y rostros y rabos felinos, con poros perfectamente definidos y expresiones totalmente reales.

Neytiri, a la que da vida la dominicanoamericana Zoe SaldañaDicen que el director de "Alien 2" y "Abbys" cuando vió al esquizofrénico Golum de "El señor de los anillos", con expresivos rasgos humanoides, un ser creado artificialmente de pixeles por la técnica de captura de movimiento, a partir de un actor real, pensó que su sueño de años atrás y su guión guardado en un cajón, podrían hacerse realidad. Y a ello dedicó años, cuatro "sólo· en la producción en sí de la película, que pasa por ser la más cara de la historia y aspira a sustituir a su propia cinta protagonizada por Leo DiCaprio y Kate Winslet en el primer puesto entre las más taquilleras de toda la historia.

Pero sería injusto decir que "Avatar" es únicamente un gran espectáculo visual. El guión -oficialmente escrito en solitario por Cameron- tiene "mensajes" y alguna lectura no muy cómoda para la política exterior de su país de acogida (es canadiense), el que produce la cinta. Trata del respeto por la naturaleza que nuestras sociedades capitalistas avanzadas han perdido, del imperialismo y el sometimiento por la fuerza de pueblos "inferiores" con el fín último de expoliar sus riquezas naturales (hummm... ¿Alguien dijo Irak al fondo de la sala?).

Y, en otro nivel, por supuesto, es otra hermosa historia de amor entre seres diferentes. Puede parecer masculina (el protagonista es un ex marine parapléjico) y tiene no poca testosterona, pero tampoco le faltan potentes personajes femeninos de chicas "guerreras", como la virtual Zoë Saldaña o Michelle Rodríguez, dos bellas caribeñas que le ponen el toque latino a la superproducción. El héroe es un hombre, pero resulta que su pareja femenina es la que le salva la vida, y no una vez, sino hasta dos...

La mayor parte de la crítica norteamericana ha caído rendida ante este trabajo del "emperador" Cameron. En Hollywood Reporter, Kirk Honeycutt acaba su columna preguntándose: "¿Cómo hará para mejorar esto?". Lo importante es que el desafío de hacer una gran película ha sido superado por el cineasta y que cualquier aficionado al Cine, con mayúsculas, no debe perdérsela... mejor en 3D.

Via: abc guionistas